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中国话剧110年,变革中求突破

时间:2018-8-1 13:33:55来源:本站 作者:admin 点击:92次
2018年是中国话剧诞生110周年,相关研讨、演出、展览等活动在全国展开,如何提升话剧原创力,如何探索中国话剧的民族化现代化,思索从未停止。“舞蹈和画家、作家的作品不同,他们的作品完成就挂在墙上、摆在架上。而舞蹈每一次重演都是重新复活。”林怀民说。在

    2018年是中国话剧诞生110周年,相关研讨、演出、展览等活动在全国展开,如何提升话剧原创力,如何探索中国话剧的民族化现代化,思索从未停止。

    “舞蹈和画家、作家的作品不同,他们的作品完成就挂在墙上、摆在架上。而舞蹈每一次重演都是重新复活。”林怀民说。在《九歌》中,神龛式的舞台上,带着面具的神祇与凡人,以令人惊叹的姿态起舞,演出亘古以来的人类故事,描绘情欲、孤独、操控、抗争、死亡与复活。而却总有一个西装革履的男人匆匆走过,将沉浸于神话中的现代人一下子拉回现实。林怀民说,这是为了营造一种和观众的疏离感,提醒他们,这不是楚辞的《九歌》,这是现代的舞蹈。

    话剧植根于民族文化的土壤

    与此同时,《战马》中最引人注目的演员团队日前已经完成了初步筛选并进入培训阶段。中文版导演焦刚是中国儿童艺术剧院的导演,此前曾多次赴日本四季剧团学习音乐剧表演和导演。据他介绍,此次演员选拔主要针对操纵马“乔伊”的木偶演员,在《战马》中,一匹马需要三个演员操控:操控马头部分需要细腻,马的中段表现心脏呼吸,马腿重在展示动力能量。今年3月18日,剧组启动选拔,有将近1000人报名,在中方和英方导演工作组的共同考核下,留下了15位演员。

    以“国歌词作者”、戏剧家田汉早年的心路历程为线索,展现民国时代背景下戏剧人的艺术创作与情感历程……话剧导演田沁鑫打造的青春版《狂飙》,把人们带入那个令人热血沸腾的年代。当年由演员辛柏青、袁泉、陶虹、朱媛媛主演的此剧一经问世,就获得了热烈反响。如今时隔16年后重排此剧,意在向中国话剧诞生110周年致敬。田沁鑫说,此次以95后为主,他们青春洋溢、充满活力,演绎一代戏剧人当年的激情和热血。

    演出当晚,帕格尼尼国际小提琴大赛金奖得主黄蒙拉、著名女中音歌唱家梁宁、青年古筝演奏家吉炜、宋心馨依次现身,以精彩的表演满足观众此前的所有想象与期待。在央视名嘴任鲁豫的精彩主持下,6段视频小故事、9首乐曲依次揭开神秘面纱。

    今年是话剧诞生110周年,一系列纪念活动密集开展。国家话剧院举办“纪念中国话剧诞生110周年主题论坛”,集合全国话剧人探讨今天中国话剧所面临的现状。由中国艺术研究院、中国国家话剧院、北京人民艺术剧院联合主办的“历史回放 舞台辉煌——纪念中国话剧诞生110周年纪念展”在国家大剧院举办。2018年北京市剧院运营服务平台推出“纪念中国话剧110周年演出季”,20台中外精品话剧在6月至11月亮相京城各大剧场。演出季期间,还将展开名家艺术讲坛、“与艺术面对面”、剧本朗读会等多场活动。在各地,丰富多彩的纪念活动也在如火如荼展开。

    此场演出也是“吉林文化上海行”活动的第二场。前一日,吉林省民族乐团在上海音乐厅演出的音乐会《中国梦·关东情》吸引了众多上海观众,散场时,观众纷纷表示,吉林的演出很精彩,还会再来看。昨晚的观众几乎爆满,演出过程中,大家的热情也十分高涨,热烈的掌声此起彼伏,一浪高过一浪。

    “从1907年春柳社的话剧演出活动算起,今年中国话剧迎来110周年。”中央戏剧学院名誉院长徐晓钟说,110年来,各个历史时期的艺术家,为话剧艺术在中国大地扎根发展奉献了自己的才华和青春。如今,越来越多的青年人才投入到话剧的创作、评论、研究工作中,让话剧发展前景光明。

    38365365北京4月22日电 (记者 应妮)铁靴、酷刑、血腥、嚎叫……让·保尔·萨特在《死无葬身之地》让剧中人在极限情境中经受拷打。22日下午的媒体探班中,几个段落的演出让在场每位观众的意志与精神同样经受着惊心动魄的严峻拷问:我是不是一个懦夫?萨特的原剧本满载着对哲理的审视、人性的透析,对话冗长厚重,充满着哲理思辨的艰涩枯燥,少有舞台色彩和人物性格。导演查明哲却赋予丰润流动的色彩、鲜活灵动的性格、严谨有力的节奏。冯宪珍、王卫国、徐卫、韩童生、赵寰宇、李晔、牛飘、李梦男、王楠、江佳奇、査査组成优秀整齐的演员阵容使人眼前一亮:萨特的戏剧原来可以如此好看。

    中国艺术研究院话剧研究所所长宋宝珍介绍,从上世纪20年代中国舞台上西洋风格的演出惨遭失败后,话剧从业者意识到,在艺术上全盘照搬西方根本行不通;在抗战时期,时任延安鲁迅艺术学院戏剧学科主任的张庚就曾提出“话剧民族化与旧剧现代化”的主张。他认为,话剧民族化必须向一切传统的民族的形式学习;新中国成立后,话剧在新中国文化格局中占据了前所未有的重要位置,而话剧在传统民族文化中的熏陶也一直没有中断;新时期以来,话剧对于传统精神更加注重,并且根植于民族文化的土壤之中。

    大赛评委、编导夏广兴认为:“现场喊叫原本是少数民族舞蹈的一个特点,融入当代舞无可厚非,但太多的舞蹈运用现场喊叫就失去了舞蹈原本用肢体表达情感的意义,达不到真情实感表达的效果,违背了舞蹈肢体语言表达情感的基本原则和艺术规律。”中国舞蹈家协会副主席、编导左青在接受北青报记者采访时认为:“年轻编导由于缺少人生阅历,又不注意对生活的观察,真正编起作品来缺少更多的方法表达人物的真情实感,只能用一些外来因素,用一些动漫音效和超强灯光来充填舞蹈内容的空洞。”  一个作品可以冠很多名字缺乏真正舞蹈编创的想象力,这是很多专家和观众对这一届荷花奖当代舞和现代舞决赛作品最为普遍的看法。一部叫《追忆1900》的作品,表现一群女青年在辛亥革命烈士墓前追忆先烈的场景,女青年们手持白花,悼念先烈,他们想起先烈们为了争取民族自由而忘我奋斗,但整个舞蹈表演下来并没有给观众明确的时代感。大赛评委、上海歌舞团团长陈飞华在接受北青报记者采访时说:“这个作品如果说是纪念辛亥革命也行,如果是纪念其他的革命先烈也行,只不过是名称冠上了1900这个数字。”无独有偶,一部叫《继母》的作品,表现孩子与继母之间先隔阂后恩爱的转化过程,然而,舞蹈开始就是孩子与母亲之间的分歧争斗,从舞蹈表现上你看不出这是一个“继母”。他可以叫《继母》,也可以叫《母亲》,还可以叫更多长辈与晚辈关系的名称。

    经过110年的发展,中国话剧在新的阶段,面临着如何讲好中国故事、弘扬中国精神,如何平衡艺术与市场等问题。正如中国戏剧家协会主席濮存昕所说:“话剧诞生110年了,我们回顾过去、展望未来,今天仍旧处在一个变革的节点。”

    昨晚,得知恩人王昆走了,郭蓉更是悲痛欲绝,伤心地哭了一次又一次。郭蓉说,“王昆对我的培养之恩,我将永远牢记,我会用更多更美的作品,来报恩她对我的培养!”李丹阳:“她像母亲一样关心我成长”歌唱家李丹阳和王昆老师有28年忘年情谊。21日晚7时,当记者拨通李丹阳的电话时,她正在北京一家录音棚里,忙于录制新歌。当记者告诉她王昆老师去世的消息后,李丹阳很是吃惊,几秒钟的停顿后,电话里传来了她痛哭的声音。李丹阳说:“天啦!我不知道王昆老师会这么快离开我们!王昆老师,是我的恩人啦!”李丹阳说,1986年,她还在重庆时参加了央视举办的青歌赛。来到北京时,经一位老师介绍她来到王昆老师家中拜访。在家中,王昆对她进行了悉心指导。后来,李丹阳因在青歌赛中表现优异,从重庆歌舞团调到北京。到北京后,李丹阳常和王昆老师见面,还多次同台演出。“王昆老师,像母亲一样关心我成长,把我这个川妹子当她的亲闺女。我们俩每次见面都亲热极了,有摆不完的龙门阵。”郭峰 陈小涛:她无私地培养了我们川籍著名音乐才子郭峰,与王昆也是忘年交。30年前,寂寂无名的郭峰孤身一人从成都“漂泊”到京城,后凭《让世界充满爱》一夜走红中国流行乐坛。如今,郭峰已是中国乐坛里程碑式人物 。但当年,“漂泊”到京城的郭峰,在北京却是举目无亲,有一次,经一位音乐人推荐,郭峰认识了王昆。王昆特别欣赏郭峰的音乐才华,并力排众议,破格将郭峰调到了东方歌舞团,成为了正式职工。从此,郭峰结束了北漂生活,成为正式的北京音乐人。

    原创力缺乏、市场机制不够完善

    法晚:您会特别注意养生吗?郑榕:没有,我都不讲究。年轻的时候不喝酒,不抽烟。现在能吃动的东西很少,一般就是吃点饺子、面条。原来爱吃饼,现在不行了。

    上世纪30年代,国民党政府为了展示成果评选模范监狱,监狱负责人闻讯紧急组织犯人强化训练,岂料学员洋相百出,监狱贪赃枉法等种种问题也逐渐暴露……即将在北京演出的话剧《模范监狱》,是文化学者易中天第一次尝试话剧。易中天说,这是他从广播剧里听来的新闻。虽然是民国戏,还是有现实意义的。出品人吕冰则坦言,做原创话剧,从找作者、找题材到实施落地,十分不容易。

    田沁鑫还特意挑选了“长得好看、身材又好”的罗密欧与朱丽叶。扮演朱丽叶的殷桃曾与田沁鑫合作过话剧《四世同堂》,田沁鑫觉得这个重庆姑娘“单纯、仗义、有趣,有股子辣劲儿,更重要的是在舞台上极具爆发力”。“殷桃扮演的朱丽叶有自己的主意,对爱情有着可爱的任性,认定了就坚持。她深爱着罗密欧,毫不掩饰。”自中央戏剧学院毕业大戏《青春禁忌游戏》引起轰动后,李光洁已经10年没上过话剧舞台了。此次扮演罗密欧的李光洁,获得了田沁鑫较高的评价:“罗密欧在我心目中不是苍白的、文弱的,应该是有男人味儿、阳刚的,有点颓废却很单纯。李光洁就是这样一个罗密欧。”爱情应该撕心裂肺“爱情,对大多数人来说,不太摸得着边际,但所有人都会听闻和切身感受爱情。爱情是我们的生命本能,是生命源头的憧憬和渴望。虽然,我也不见得摸得着爱情的脉,但是,本能我有。罗密欧和朱丽叶的爱情很极端,我会把它排得很好看。爱情是件很棒的事儿,我想让这份爱情感动人。”田沁鑫说,排演《罗密欧与朱丽叶》的收获很大,她学到的不仅是戏剧专业的知识,更有对爱情的思考。

    就话剧的现状而言,如何提升原创力成为各方关注问题。国家话剧院连续三年举办中国原创话剧邀请展,都以原创为主题词。“原创缺乏、文学性不足,是当下话剧的重要问题。” 国家话剧院院长周予援说。

    在《春节联欢晚饭》中,李菁和何云伟两个人扮演的角色,一个叫李兵兵,一个叫范兵兵,是同年同月同日生的“发小儿”,从小一块儿在小院里长起来,长大后又志同道合一起经营一个小饭馆。两个人年底想给邻里街坊办个喜庆的活动,但后来因为女主角的从天而降,两个人成了情敌。李菁说:“从人物性格上,我和何云伟两个人不一样。我属于冷面滑稽,话不太多,动作幅度也不太大,而何云伟则是一种跟我有反差的表演。我们俩说相声时也是这样一种搭配。”作为《春节联欢晚饭》这台话剧的主演之一以及“星夜相声会馆”这个团队的负责人,这次排练当中,李菁有戏没戏都会来现场。“像今天没我排练我也来,因为我要对剧本的整体把握上给点建议,也要看看排的怎么样。”李菁说:“相声演员排话剧有一定的难度,因为相声演员是很松散的群体,一般就两个演员,凑一块儿对对‘活儿’,可以家里边一边吃一边喝一边嘀咕,就算排练了。但演话剧,要这么多人凑一块儿,从下午一直排到晚上。排练时间长了,演员就有可能懈怠了,疲沓了,因为排练习惯不一样。但这么多人的台词,如果不给排精细了,台上就该乱了。而且这也是我们集体第一次做话剧,大家以前没经历过,整个过程可以说是‘痛并快乐着’。所以我总是要多操些心,多在现场盯着。”在李菁看来,相声演员的优势在于语言,而且相声中有很多即兴的表演,所以台上有可能碰撞出一些“包袱”和笑料。“语言的幽默当然是很主要的,相声演员不能把这个优势给丢了。但在塑造人物性格方面,就和相声里的包袱不一样了。像我们说书的时候,有一些包袱是骨子里的包袱,因为会通过前面若干内容把人物的性格铺垫很多,人物形象给观众很深刻的印象,所以他再说一些话做一些事,即便本身没什么可乐,但搁在这个人物身上就很有笑点。所以演这个戏也是这样,我们希望通过把人物性格刻画的丰满一些,他出的包袱就是骨子里的笑料,搁在这个语境当中就很可乐。”因为是一群相声演员排话剧,所以《春节联欢晚饭》的排练过程也是集思广益,演员们在不断推翻原有剧本的同时,通过即兴创作来把一些包袱固定成为剧本内容,再往里添加喜剧元素。“我们现在每次排练都会即兴碰撞出几个‘现挂’来。但我们拿出这么多精力来排练,就是希望在舞台上正式演出的时候,即兴的成分减少一些,不希望弄得太随意。而且我们把原剧本弄得丰满一些,这样在台上再有碰撞的时候,那就是锦上添花了。”李菁也很清楚地认识到:“相声演员演话剧也有缺点,因为平时说相声在一个地站着说习惯了,现在要走舞台调度不太适应,很容易就站一块儿去变成说相声了。另外在塑造人物上,我们不像戏剧演员那么习惯。因为相声表演经常是跳进跳出的,有时候演自己,有时候演人物。但专心塑造好一个人物,是需要下功夫的。我们希望这个戏出来,不是一个大群口相声,还得是一个戏剧,它可以带有一些相声的特点,但至少得是一出戏。”央视春晚上没上过心态大不一样既然今年年底、明年年初的主要演出任务都安排成了演话剧“春晚”,那对上不上马年央视春晚有什么想法呢?李菁对此表示,上春晚的节目也在准备,但还要看最终剧本怎么样,能不能得到晚会导演组的认可。曾经登上过央视春晚舞台的李菁和何云伟,如今对待春晚的态度很冷静。他们认为:“央视春晚这个舞台现在就是一个锦上添花的舞台。如果有机会能上春晚,对自己的宣传确实有帮助。头一回去的时候,肯定咱们得是鼓足了劲,得争取成了。但是上过一次之后,就没有那么大的欲望强努着想今年非要怎么怎么样了。上过跟没上过,心态还是有变化。”李菁分析道春晚和人们的心态都和过去有很大变化,“过去的演员为什么会耗尽所有精力和能力去为一个节目拼呢?因为他或她拼成功了,确实会对自己今后的事业有很大的帮助。而且连续上春晚和隔几年再上,效果也不一样。所以很多演员都会集中很多精力去弄这个事儿。但现在娱乐的平台多了,老百姓对春晚的关注度也在下降,所以导致演员如果没有特别精彩的、能一炮打响的节目,就像小沈阳那年在春晚上表演的小品,如果没有这样的节目呈现,新人上春晚的意义也没有原来那么大,不会说一下子就火到什么程度。而‘老人儿’上春晚呢,就更有挨骂的风险。过去很多节目确实打磨的非常细,拿出三个月的时间就弄这一个小品一段相声,但现在演员都很难拿出那么多时间来弄春晚的节目。而且现在很多观众都把春晚当成一个发泄、吐槽的地方,节目本身再好看,也会有人挑出这个那个的去说道。所以如果节目不够理想不够精彩,还是轻易不敢往春晚上拿。否则演完了还有副作用,那上去干吗呢?!”但“春晚”的情结其实每个人都有,不仅演员有,观众也有。所以这一次李菁和何云伟率“星夜相声会馆”众相声演员一起演话剧,就是想在舞台上打造一个剧场版的“春晚”。“里面也有很多节目,包括让大家意想不到的内容。比如我和何云伟以前从来没有表演过的一个艺术门类会在这个戏里展现,跟摇滚有关。而且在‘包袱’的设置上,剧场里比在电视上的限制也要少很多;我们的演出时间也更充裕,用我们的行话叫做‘能伸开腰’表演了!”相声演员开拓新战场是必然趋势李菁何云伟此次“跨界”演话剧,也和他们对相声整个行业发展的态度有关。“相声这种形式所能承载的从业者的数量,绝到不了现在这么多!相声现在已经被过度消耗了。因为传统相声也就这么多段儿,这么多人来说相声,这在相声历史上是没有的。相声最火的时候,北京也就几个园子而已,老先生们大家伙儿几个园子转着说。现在人口虽然也增加了,但相声从业者增加的有点不成比例了。现在星夜相声会馆每周六的演出,还很红火,上座也很稳定。但横向的看,每天都有演出的相声团队,平均上座率都在下降。相声剧场从迅速扩张到今天,也就是几年的时间,现在已经有下坡的趋势了,等再过几年,它还会衰退。这也是相声历史上曾经经历过的几个阶段,都是从起到落,从起到落。像以前的老先生、小蘑菇什么的,他们做相声剧团的时候,除了说相声,也排一些小戏,比如南方的滑稽戏、笑剧,也是为了在横向竞争的时候有自己的优势,自己的特点。所以相声演员集体的新开拓也是必然的趋势。”李菁说:“这次排演《春节联欢晚饭》,算是把我们以前想排话剧的想法实现了。希望后面还能多尝试做一些其他题材的演出;把《春节联欢晚饭》打造成一个舞台剧的系列品牌,那就更好了。我还有一些其他的想法和方向,希望将来也都能够实现。我是比较想要稳扎稳打的人,否则早就做了。现在既然开始做,我们就踏踏实实认真把它做好,争取让这条路能够走好。影视剧方面,我也有让星夜相声会馆集体创作影视剧的计划,可能今年年底或明年就会启动。但我也会把剧本弄得比较成熟以后再投入拍摄。以‘每公里三迈’的速度慢慢做,着急了不成。”(记者 王润)

    编剧李宝群也提到,当下中国话剧正处在困局、僵局之中,问题多多,亟待突破。“而制约当下戏剧发展的瓶颈,就是优秀原创剧本严重匮乏。无论是主流戏剧,还是非主流戏剧,无论是通俗娱乐戏剧,还是实验探索戏剧,无论是现实主义戏剧,还是非现实主义戏剧,无论是国有院团,还是民营院团,无论大剧场戏剧,还是小剧场戏剧,都受制于优秀原创剧本的匮乏。”

    赛制分为初赛与决赛两轮,初赛的队伍分别上场回答20道题,一题一分,最后根据分数选出排名靠前的四支队伍参加决赛。而决赛赛制与初赛赛制又有不同,决赛第一轮由前4支队伍的后3名进行两两对决,队员可以轮番上场,没有时间限制,直到其中一队无队员可上场为止。

    李宝群说,中国话剧的发展始终缺少更强大更丰沛的文化支撑,底座不牢基础不稳。“在将民族文化精髓融会贯通方面,一代代中国话剧人进行了不少探索,成绩不容抹杀,但还有很大的空间。我们还没有与我们民族的文化彻底打通,形成良性的传承关系和最有效的链接。”

    孟京辉透露,到了后期排练的时候,自己的英语突飞猛进,已经可以用英语和肢体语言与演员直接交流了。而由于是国际合作,所以剧中没有任何地方元素,也不会加入中国化的视觉元素。

    中央戏剧学院副院长郝戎谈到今天中国话剧所面临的困境,他认为国内的戏剧意识和形态都与国际领域很难对话,许多国外同行到中国想看的是传统中国戏剧——京剧,中国的话剧似乎还不能和国际戏剧产生对等交流。

    《青春之歌》《茶馆》著名话剧表演艺术家于是之先生,因病医治无效,于2018年1月20日17:19在北京协和医院仙逝,享年86岁。于是之在《龙须沟》、《骆驼祥子》等话剧中成功地塑造了一系列舞台艺术形象,作为一代话剧表演大师,于是之所演的众家人物们出神入化。获知于是之离世后,在新版《茶馆》中接替于是之饰演男主角王利发的人艺演员梁冠华微博悼念:是之老师千古。  话剧艺术 承上启下的杰出表演艺术家于是之,1927年7月生于唐山,著名戏剧表演艺术家。于是之是中国话剧艺术承上启下最杰出的表演艺术家之一,中国话剧表演学派的领军人物。曾任北京人民艺术剧院演员、艺委会副主任、副院长,是第五届全国政协委员。曾主演过《龙须沟》、《骆驼祥子》、《茶馆》、《洋麻将》等剧,在《茶馆》中饰演王掌柜、《龙须沟》中饰演程疯子、《骆驼祥子》中饰演老马、《青春之歌》中饰演余永泽等。特别是1958年在老舍名剧《茶馆》中扮演的王利发在艺术上更是炉火纯青。1980年以后,《茶馆》剧组先后到前西德、瑞士、法国、日本、新加坡、加拿大等国家和香港地区访问演出,引起轰动,他的表演也得到很高的评价。此外,他还拍摄了电影《龙须沟》、《青春之歌》、《以革命的名义》、《丹心谱》、《秋瑾》等。主要作品有《于是之论表演艺术》、《演员于是之》等。1992年《茶馆》告别演出时,于是之已经患上老年痴呆,最终不得不离开他几十年挚爱的舞台。

    此外,话剧的市场机制不够完善,相关的产业链条也没有建立,也被一再提及。中国电影这些年迅猛发展,就和产业发展、市场环境的形成有关。相比中国电影,话剧从策划创作到宣发营销,还没有形成成熟的运作机制。

    孟氏幽默深刻揭露人性黑色幽默话剧《大师》,用荒诞的手法反映了人们盲目崇拜,幕后推手疯狂制造“伪信仰”的现象。一个倒霉的中年人阴差阳错变成灵魂画派大师,一场自导自演、漏洞百出的骗局愈演愈真,全民为大师痴狂,然而泡沫终要破灭,最后时刻,他将戳破谎言、做回凡人,还是出卖灵魂、当一个活着的傀儡?这其中,充满了编剧孟冰的“孟氏幽默”,即在辛辣的讽刺中向观众揭露人性,深刻细致的展现人的“欲望”。

    诚然,话剧的发展需要大量人才,但上海戏剧学院院长黄昌勇指出,在人才培养尤其是在表演艺术人才培养方面,我国还没有形成一套属于自己的体系。“国内目前话剧人才培养体系或者培养能力,远远满足不了目前话剧发展的巨大需求。”

    这些年笑林经常到基层参加各种慰问演出,当主持人。去年年底,10月到12月,他给南水北调的慰问演出活动做主持人,一直在外面跑,我和他在一起,在下着大雨的情况下还坚持演出。这才几个月的时间,没想到啊,他走得实在是太突然了!本报记者 王润 J069记者手记这么多年他为什么不说相声了王润三年前,我跟随北京曲协到怀柔郊区下基层演出,笑林老师是演出活动的主持人。我问他:“您怎么光主持不说相声了?”他说:“一个是没有特别好的新节目,就不想说了;另一个更重要的原因,是因为李国盛老师退休了,我们合作了三十多年,都没有换过搭档,感觉跟两口子似的。如果换别人搭档,觉得不适应,所以就不说了。”李国盛老师是如今还健在的相声演员中,唯一一位曾经给侯宝林捧过哏的,他对笑林的帮助确实很大。不过在相声界,一合作就长达三十年,而且终身没有换搭档的组合实在是太少见了。笑林和李国盛老师之间的情谊可见一斑。

    探索中国话剧民族化现代化

    《灵与肉》的导演丹尼·博伊尔因执导电影《猜火车》而闻名,并以《平民窟的百万富翁》获得包括奥斯卡最佳导演在内的诸多大奖,他也曾是2018年伦敦奥运会开幕式的总导演。而让人没想到的是,充满科幻前卫色彩的舞台其实是改编自1797年诗人雪莱第二任妻子的一部科幻小说,大胆的想象力让这部作品呈现出二百多年来凝聚的经典魅力。主演卷福则因主演迷你剧《神探夏洛克》人气飙升,另一位主演米勒也在《黑客》中与安吉丽娜·朱莉的精彩对手戏而引起关注。由于两位男主演在剧中的角色是相互调换的,因此还有不少痴迷的观众连看两场。

    可喜的是,中国话剧人一直没有停止对自己话剧的深刻剖析,没有停止对中国话剧的民族化、现代化和国际化的思考。

    梅葆玖当晚要演出的《贵妃醉酒》是其父梅兰芳的保留剧目之一。梅葆玖继承的不光是父亲的剧目,更有其父的风格。梅葆玖嗓音甜美圆润,唱念字真韵美,表演端庄大方,扮相、演唱都近似其父梅兰芳。近来,他致力于梅派艺术的传承和发展,就梅派艺术的弘扬来讲,梅葆玖的影响力不言而喻,这与他小时候多年与父亲同台演出有密不可分的关系。

    中国话剧自上世纪50年代开始民族化的探索,包括焦菊隐、黄佐临、徐晓钟在内的许多前辈艺术家进行大量创作与论述,至今已经60余年。话剧导演王晓鹰说, “最近10年中国话剧人在一部分创作实践中刻意追求中国文化结构中的现代舞台意象,或者叫‘中国式舞台意象的现代表达’。”

    38365365著名作家白先勇近照。受访者供图38365365客户端北京4月19日电(记者 上官云)“《牡丹亭》与《红楼梦》,一个是戏曲,一个文学小说;一个以最美的形式来表现最深的情感,一个以优美文字表现中国哲学人生,它们是标志性的。”2018年4月,当代著名作家白先勇在北京接受38365365(微信公众号:cns2018)记者专访时说道。他表示,自己热爱中国传统文化,晚年有两大心愿,就是推广昆曲和《红楼梦》。

    王晓鹰阐释道,“中国式舞台意象是建构在中国传统文化的元素、手法、意境、美感基础之上的整体性的舞台意象,并通过融合现代手法和方式,传递中国文化的美感。”

    乐工奏乐,歌者唱诗,舞者起舞,季札“闻弦歌而知雅意”,听完一首,点评一首,对每首乐曲的背景和内涵都如数家珍,甚至还听出了象征意味。最后一曲《韶箾》,就是孔子听了之后三个月不知肉味的《韶》乐,季札听后感慨:“德行至此,已经尽善尽美,如果还有其他的乐曲,我是再不敢请求演奏了。”乐与礼密不可分,懂乐即知礼。季札如此深厚的学养,一下子传遍了诸侯。孔武有力的吴国,以季札证明了自己还是一个文明之邦。

    《北京法源寺》《聆听弘一》……田沁鑫致力于中国传统与舞台艺术的融合,这一部部叫座叫好的作品都是她用心探索之作。田沁鑫说,对自己的民族文学和文化怀有敬意,是每个中国人应具有的文化自信。可惜的是,现在一些人对传统文化、中国文化精神存在遗弃或者忽视的状况。“希望让戏剧成为传统的转换器,让更多人去了解、去亲近文化。”

    记者:那你每天在这儿排戏,台里怎么看呢?王旭东:领导特别支持,都觉得能和佩斯老师合作是一个难得的机会。我在台里不仅是主持人,还是制片人,但领导给我减了不少任务,支持我来演话剧。我们北京台春晚的总导演也是我的好朋友,听说我在跟陈佩斯老师排戏,就总是让我想办法游说佩斯老师:“不上央视春晚就来咱们这儿吧!”但我现在根本放弃了这个任务,而且我自己都打算辞了职然后跟着陈佩斯老师演喜剧了。以后北京台如果需要我主持,就让他们到佩斯老师的公司来请我吧。(记者 王润)

    这个方面,国外的经验值得学习。引进自英国的舞台剧《战马》中文版,以一匹“偶马”为主角,通过大胆创新,给人们带来震撼。日本、韩国的话剧民族化也值得借鉴。日本话剧大师铃木忠志,将西方话剧和日本能剧等日本传统文化对接,开展本土实践,获得了世界关注的目光。“我们从更多更深入的创作思考开始,从更多更自觉的创作追求开始,当然,更要从解决中国话剧原创力面临的深层困境开始,向世界经典学习,向民族传统学习。”王晓鹰说。

    据介绍,为拓宽国内古典音乐爱好者的视野,北京国际音乐节一贯重视“首演”曲目的演出作品。此次,青岛交响乐团助阵音乐节打造的“施特劳斯超级交响月”,便将为京城观众献上三部极具特色的施特劳斯交响乐作品。据介绍,三部作品分别跨越了作曲家从“弱冠之年”到“耄耋之岁”的首尾两个艺术时期,尽管相对冷门,但十分具有代表性。

    李宝群说,中国话剧要持续发展,就要在东西文化交融中建构起强大的戏剧人学传统,并对东方传统文化的精华精髓进行更深层次的发掘,要让长河永流、薪火相传、香火永续。

    有关《生死场》的记忆,也是中国话剧的记忆田沁鑫说,“有关《生死场》的记忆,也是中国话剧的记忆。它见证了中国话剧从不卖票到有点人买票,再到现今的历程。”上世纪末的中国话剧,一场演出卖出几张票的惨状并不鲜见,而《生死场》的横空出世,曾经引发舆论对于被忽视的当代文学以及被遗忘的现代剧场的双重热议。揽获国内所有重量级奖项已经不足以概括这出戏之于当代中国话剧的重磅,而田沁鑫当年的初衷在今天看来也恰恰是一个戏剧人最朴素的创作理念——用表现主义的狂热姿态向现代文学致敬。其实不仅对于戏剧,对于萧红本人,此剧亦有贡献。16年前,萧红及这部作品还没有被广泛关注,话剧《生死场》也让众多学者开始重新认知和评估萧红的文学价值与地位,随着《黄金时代》的上演,如今,萧红已成为与张爱玲齐名的现代女作家,其本人也成了坊间的“热门话题”。  天才作家触及终级问题的手笔,永远不会过时在《生死场》的改编中,田沁鑫当年是被萧红字里行间非爱非恨的生活图景,面对生老病死的不动情、不动性所触动。在她看来,“这部萧红24岁的处女作,是一个天才作家触及终极问题的手笔,所以会像永远的契诃夫一样永远不过时。”自称热爱萧红童心盎然、不雕琢不做作文字的田沁鑫,忍痛对人物做了增删,并运用适当的插叙、倒叙、定格等手段,将小说中的散点事件增减或凝练。直到外辱的力量,将生老病死的和谐彻底破坏,这幕反反复复上演的乡土戏剧才宣告结束。  倪大红、韩童生飙戏,依然火花四溅继2004年复排后,此次为“纪念中国人民抗日战争暨世界反法西斯战争胜利70周年”,《生死场》剧组再度集结。如果说16年前的田沁鑫是以年轻导演的姿态同一干成熟演员合作,那么这次,所有人的阅历和底蕴都来了一次大碰撞。田沁鑫说,“那时的我很自信,甚至还不太会做导演。对于演员,常常直接指出不足。那时,韩童生会提醒我,‘导演,你能不能在我们演过一段后,先表扬几句,再说哪里不灵,不要上来就说不行。’”而在田沁鑫眼中,倪大红是一个奇特的演员,除了不喜面对媒体外,他曾经跟田沁鑫说过一句话,“不是我在演‘二里半’,而是‘二里半’在指挥着我。”很多人对《生死场》的视觉记忆都是倪大红一直弓着背、罗圈着腿,韩童生则摸爬滚打、激情满怀。而今天,虽然主演都已不再年轻,但似乎更具有隐忍的爆发力。戴着护膝的韩童生称自己有些心力交瘁,而因此剧获得“梅花奖”的倪大红则谦恭地表示,“很多东西都忘了,能重新找回就不错。”李琳更是称“他们二人常常飙戏飙得火花四溅,让我们睁不开眼”。文/本报记者 郭佳 摄影/谢宇

    中国话剧诞生在青年学生中间,在校园中拥有深厚的群众基础和历史影响。针对如何有效促进校园戏剧的发展,如何建立起有效的戏剧教育合作模式等热点问题,国家话剧院党委书记白雪峰说,近年来,国家话剧院与北京西城区政府共同举办了三届中国原创话剧邀请展,活动突出体现文化惠民,推动话剧进校园、进社区,为提升城市文化品位发挥了积极作用。白雪峰说,下一步,我们将加强与中小学和教育部门合作,通过低票价、公益演出、艺术讲座、排练探班、文艺支教等多种途径,探索建立话剧普及教育的长效工作机制,营造有利于青少年热爱话剧、健康向上的良好环境。

    早在2007年,北方昆曲剧院就开始运作“红楼梦三部曲”,包括一部电影,一部舞台剧和一部交响剧。拍摄电影《红楼梦》时,北昆请过很多大牌导演,但戏曲片比故事片要难拍很多,一个“啊”就可以五分钟,怎么拍?所以,执导戏曲电影的导演必须对戏曲有相当深的了解,当时的龚应恬是被找来做编剧的,后来夏钢导演推荐他来做这部电影的导演,“因为我是学戏曲的,又做过编剧,导过几部电影,对《红楼梦》多少又有些了解。”就这样,2010年的冬天,龚应恬得到了这个让他兴奋的机会,因为拍摄戏曲电影是他的愿望和热情所在,还可以作为礼物致敬父亲这样的资深红楼迷,可是,没想到父亲却反对他做这部电影的导演,“一千个读者的心中就有一千个哈姆雷特,一千人的心中也有一千部《红楼梦》,我父亲认为《红楼梦》的拍摄是我难以驾驭的,不管我怎么拍,这都是个风口浪尖的活,是个挨骂的活,不能让每人都满意。”但这次龚应恬没有“听劝”,在影片拍完后,只进行了初剪,还没有做好声音、没有合成的情况下,他把初剪盘寄回老家,结果父亲什么也没说。待影片全部制作完成后,龚应恬又把碟片寄给父亲,“我父亲看完后给我打了电话,说了三个字‘可以的’。”这三个字卸下了几年来龚应恬身上背负的重担,“父亲平时很少会说表扬的话,这三个字已经是对我的最大肯定。”所以,尽管无奈于电影上映后却“被下线”,但龚应恬说自己聊以安慰的是,让父亲这位“红楼迷”看到了这部电影。退缩《红楼梦》用3天就“击垮”了他尽管当初不顾父亲的劝阻,接下了导演任务,但是龚应恬说自己这几年来始终是如履薄冰,“《红楼梦》太难拍了,拍摄到第三天,我的情绪进入低谷,觉得自己远远不够格,我甚至宣布要放弃退出。”电影《红楼梦》沿用昆曲《红楼梦》舞台剧的原班人马,包括编剧团队和演员团队,龚应恬说舞台剧很好看,演员也有青春活力,基本功扎实,可以说,已经为电影打下了很好的基础,可是等到电影正式开拍,就发现难度重重,龚应恬说自己被“裹挟”着往前走,走到拍摄第三天时,他的心里扛不住了,“具有600多年历史的昆曲艺术被称为‘百戏之祖’,特点是‘无声不歌、无动不舞’,它对曲牌、韵折都有着严格的要求,就算你是学戏曲的,也不一定能唱好昆曲。而《红楼梦》更是无法超越的高度,谁说超越,那都是胡说八道,随着拍摄的开始,我觉得我所准备的与《红楼梦》所要求的高度无法企及。《红楼梦》的完美让我们不得不生敬畏之心,当时年轻自负,以为可以掌控,可是现实只需要3天,就给你击垮了,我那时候心里觉得承受不了,所以我退缩了,想退出。”龚应恬是学戏曲的,又对《红楼梦》多有研究,在所有人眼中,他是这部电影的最合适导演人选,他说要退,自然众人是无法答应的,于是“方方面面的人去鼓励他继续坚持下去,”最终,龚应恬坚持了下来,他劝解自己:“与其让那些不爱戏曲的人来拍,还不如我尽自己的最大努力。”用160分钟的时间来浓缩《红楼梦》的全景故事实非易事,谈及自己的创作思路,龚应恬称自己的“方针”是“回到艺术,回到人物,回到创作”。龚应恬解释说,在他看来,《红楼梦》的魂是“梦”,所以电影要讲梦起、梦破,而能够贯穿这场梦的最重要人物无疑是宝玉,因此电影的核心是抓住梦和宝玉,但电影又不仅是讲黛玉、宝玉和宝钗的爱情,而是将贾府兴衰贯穿其中,折射出对人生对社会的反思,龚应恬说:“我觉得在这点上,昆曲电影《红楼梦》比以前的越剧电影走得更远一些,小说《红楼梦》是一部社会大百科全书,其核心是悲情,需要从横面纵面深入展现。”拍《红楼梦》不易,拍昆曲电影《红楼梦》更不易,首先,戏曲电影究竟戏曲为主还是电影为主?在龚应恬看来,戏曲是定语,电影是主语,所以电影手段是十分重要的,而不是简单地把舞台剧搬上去,需要用电影的艺术手段来为昆曲服务,让昆曲唱、念、做、打之美完整地呈现于电影。

    李宝群说,中国戏剧界很有必要在中国话剧110周年之际重新开展一次戏剧观的大讨论,重新检讨我们的戏剧观,深度拓展我们的戏剧观和戏剧思维,以此来推动中国话剧的发展。

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